Comment j’ai réussi à créer mon label de musique
Dans deux mois sortira «Highline», mon troisième album.
Ce fut une longue aventure qui a commencé il y a presque trois ans, et que je voudrais vous raconter ici.
Farewell Bandit
Après le Bandit, sorti en 2013, disque horriblement difficile à faire, et qui en porte sans doute la trace, les perspectives semblaient très réduites. Le disque eut une durée de vie minimum et j’en ai vendu très peu. A peine quelques centaines. Je n’ai pas échappé à la difficulté du deuxième disque et même si je l’avais pressenti, c’est arrivé, comme à tant d’autres avant moi. Mais que faire après cette déconvenue?
Le label ne m’avait pas encore quittée, mais j’anticipais. C’était quasi inéluctable, même si j’espérais une autre issue. En attendant le couperet, j’écrivais beaucoup. Fallait-il vraiment que je m’acharne? Sans répondre à la question, je m’acharnais.
Quelques mois plus tard, j’obtins une nouvelle avance éditoriale du label, ce qui laissait logiquement présager que nous nous dirigions ensemble vers un troisième album. Mais en novembre 2014 et après de nombreuses hésitations, le label se décida enfin et ne valida pas l’option. Désolée Pam. Merci. Au revoir.
J’avais trop travaillé sur ces nouveaux titres et trop engagé l’investissement de tout un groupe pour envisager d’en rester là.
Formule magique
J’ai donc passé les mois suivants à chercher des idées, à aller voir des amis en studio, à demander des devis, à guetter le salut à New York, à écrire encore et toujours, échanger des démos, rencontrer tout le monde et personne, écouter les conseils des uns et ceux des autres, afin d’avoir assez d’informations pour me décider enfin. Mais comment diable faire ce disque?
Une chose était sûre, cette fois, je voulais déléguer davantage et travailler avec un producteur. Sur «Bandit» j’avais voulu ne rien changer à la formule du premier album, mais sans réel succès car les ingrédients étaient différents. Pas question de refaire la même erreur. Je devais prendre mon temps: un véritable calvaire pour une impatiente de ma sorte.
Hélas, je ne trouvais pas la solution. Tout était confus, et comme souvent, lorsque la réponse traîne et ne s’impose pas d’elle-même, je fouille le passé et y cherche les certitudes et les inchangés.
C’est ainsi qu’en rangeant mes disques un matin, j’ai retrouvé l’album du groupe Jordan. Ces trois garçons faisaient une sorte d’emo rock noise et étaient dans la même structure promo que moi dans les années 2000. Ce n’était pas totalement mon genre de musique, mais j’aimais bien leur esthétique. Ils arboraient de belles fender mustang et j’avais beaucoup aimé le son de leur disque, au point d’en avoir un souvenir assez précis. Je savais qu’ils avaient enregistré à San Francisco avec un certain Jay Pellicci. Ils racontaient leur périple et leur expérience avec avec un tel enthousiasme que ça m’avait beaucoup impressionnée à l’époque.
Bingo.
Tout s’éclairait. Jay existait toujours, Jay enregistrait toujours, je décidai donc d’écrire à Jay. Sa réponse fut rapide et toutes ses remarques sur les chansons me plaisaient. Aussi, il semblait partant pour relever le challenge de l’enregistrement dans une maison à la campagne. Tout commençait enfin à se préciser et j’y voyais beaucoup plus clair.
Le périple
Nous avons donc enregistré dix jours en juin 2015 dans une grande et vieille maison du sud de la France. L’enregistrement s’est très bien passé malgré un épisode de canicule redoutable. Jay était très assidu à sa tâche; il réglait les caisses claires et les toms avant chaque morceau, choisissait les amplis sur lesquels nous devions jouer, réglait nos pédales d’effets… Les conditions rendaient l’exercice compliqué. Il faut s’imaginer une grande maison, avec des pièces transformées en studio juste pour l’occasion, et des kilomètres de câbles dévalant les escaliers pour relier un micro et un ampli.
Epique, et esthétique, mais pas vraiment pratique.
Lorsque les prises furent enfin terminées, je devais rejoindre Jay à San Francisco et Oakland pour mixer dans son studio, puis rejoindre New York pour masteriser l’album à Sterling Sound avec Steve Fallone.
Même si les chansons qui constituent l’album ont été écrites bien avant ce voyage, «Highline» a trouvé sa couleur lorsque nous l’avons mixé en Californie. Pendant que Jay travaillait sur les titres, j’explorais San Francisco en solitaire, puis en fin d’après-midi je prenais le Bart pour rentrer à Oakland et faire les retouches en studio avec lui.
Il y a beaucoup d’errances et de déambulations sur ce disque. Des errances mentales et sentimentales, à l’image des heures de marche solitaire dans la poussière désertique de la Californie, ou du mouvement frénétique de l’hyper densité New Yorkaise.
Je suis restée un mois aux Etats-Unis cet été-là.
Le master finalisé, je suis rentrée à Paris, trois bandes ATR 1,4’’ sous le bras et une valise remplie de disques vinyles chinés au cours du voyage. L’analogique pèse lourd.
Je me souviens avoir eu ce petit mouvement de recul lorsque j’ai ouvert la porte de chez moi après un mois passé loin de la France. Je voulais déjà repartir. J’ai mis plusieurs semaines à me remettre d’un violent jet lag et à apprivoiser l’idée que le disque était enfin terminé.
La traversée
Mon objectif était de signer une licence avec un label pour pouvoir sortir l’album dans de bonnes conditions. À la rentrée 2015, j’ai rencontré Elodie, ma manageuse, qui m’a aidée à faire les démarches, et m’a mise en relation avec divers professionnels. J’ai contacté à peu près tous les labels indépendants de France et de Navarre, de Suisse, Belgique et d’Allemagne, et tous les tourneurs qui existent sur le territoire (and beyond). Mes requêtes étaient toujours personnelles et ciblées. J’écoutais le catalogue du label ou du tourneur pour savoir si j’y aurais ma place. Lorsque réponse il y eut, ce fut presque toujours la même: «J’ai bien écouté l’album, il est vraiment très bien, mais on ne va pas pouvoir s’engager avec toi sur ce projet, on a déjà trop de travail avec nos artistes». Une fois. Deux fois. Dix fois. Trente fois. Cent fois.
Parfois il y a même eu des rendez-vous. Un. Puis deux. Très bon contact. Réel interêt. Ah mais non. Finalement non.
Cela en devenait comique.
L’année se passa ainsi, à frapper aux portes, sans succès, mais aussi à reconstruire un projet live, avec Eva –nouvelle venue dans l’aventure-, Pierre et Ernest, mais sans Igor, qui avait décidé de définitivement quitter le navire.
Je n’ai jamais autant aimé jouer sur scène qu’avec ce nouveau groupe. Je n’avais jamais fait l’expérience de cela avant eux, c’est une sorte d’évidence. Je ne sais pas si c’est lié à l’expérience ou si c’est autre chose. Mais c’est très émouvant.
D’une certaine façon, tous ces morceaux que vous découvrirez bientôt ne m’appartiennent plus. Le seul moment où je suis intimement liée à la chanson est celui de l’écriture. Ensuite, lorsque le morceau est enregistré, même si ce n’est pas de façon définitive, il devient une matière molle, comme une pâte à modeler qu’il faut façonner de la meilleure façon au gré des arrangements. Tout le groupe participe à ce processus. Ensuite, sur scène, on interprète à l’infini cette matière. Chacun y met quelque chose de spécial et de personnel. Je ne sais pas comment l’exprimer convenablement, mais c’est très beau. Il y a une sorte d’abandon à la chanson, parce que chacun y trouve une résonance singulière dans sa propre histoire et l’interprète. Je ne savais pas que c’était possible de faire l’expérience de cela avec des musiciens. C’est un peu comme certaines histoires d’amour dont on sait qu’elles n’auront jamais d’équivalent.
Cette traversée du désert (californien) fut éreintante. Subir ces refus répétés me fit mal, au point de vouloir tout arrêter. Il y a un an, je ne voyais plus aucune solution. Je n’avais plus de fonds, plus de perspectives, et plus d’énergie pour avoir envie. J’ai passé un week-end terrible à ranger toutes mes guitares les larmes aux yeux, et en me disant que c’était terminé, qu’il fallait que je grandisse et trouve un vrai travail.
Le salut
Au printemps dernier, la rencontre avec Julien Le Nagard –guitariste, réalisateur-, a été déterminante puisque nous avons monté My Dear Recordings ensemble. La création de ce label était la pièce manquante du puzzle à bien des égards. Ce label a redonné du sens à toute ma démarche.
Dans la musique électronique ils avaient compris bien avant tout le monde que pour survivre il fallait supprimer les intermédiaires entre l’artiste et le public. Dans la pop ou le rock les choses ont pris plus de temps. On pensait qu’on avait d’autres ressources, et que le milieu de l’electro raisonnait de cette façon parce que c’était un marché de niche. C’est exact. Mais à vrai dire, le rock indé l’est aussi. Aujourd’hui, chaque groupe constitue un marché de niche à lui tout seul.
Un de mes amis de lycée a monté son label electro il y a plus de 10 ans alors que je commençais juste à écrire les chansons de ce qui deviendrait mon premier EP. Son label existe toujours et va plutôt bien. Il sort uniquement des vinyles et presse ses sorties à 1000 exemplaires. Il signe des licences ultra simplifiées et souples avec les artistes et cela fait dix ans qu’il existe. Il ne perd pas d’argent et a même une certaine réputation dans le milieu de l’electro minimale; certains artistes rêvent de signer chez lui.
Mieux vaut tard que jamais. Dix ans après, lassée de recevoir 0,0002 euros de royalties sur le streaming (et le reste), et vexée de ne pas toucher mes droits Sacem pour cause d’avance éditoriale non remboursée, j’ai pensé qu’il était grand temps d’imiter mon vieil ami.
Le constat est simple: à partir du moment où les artistes vendent moins de disques, il est impossible d’appliquer les mêmes règles qu’à l’époque où l’on vendait des millions d’albums. Il ne peut pas y avoir 12 intermédiaires entre l’artiste et son public, qui prennent chacun leur part, si les quantités vendues sont de l’ordre de 500 disques. C’est suicidaire. Il faut réfléchir autrement et à toute petite échelle.
C’est cette évidence qui nous a poussés, Julien et moi-même, à monter ce label, et c’est ce système qui j’espère nous permettra de sortir une multitude de beaux albums.
Après avoir déposé les statuts de notre SAS et signé avec le jeune distributeur Kuroneko, la label était né: quatre groupes déjà, tous des amis, et une release party de toute beauté. Puis les premières sorties, des cassettes fabriquées à la main, deux EP, des disques, une boutique en ligne, et même un nouveau venu dans l’équipe, David, qui gère d’une main de maître le shop en ligne et le merchandising.
Tout est allé assez vite finalement.
Bon vent
Quelle aventure!
«Highline», est le résultat de trois ans de travail. Un travail qui m’a fait porter les casquettes d’auteur, compositeur, arrangeur, productrice, réalisatrice, commerciale, label manager, PR, directeur artistique, entrepreneur, tour manager, community manager… J’ai adoré porter tous ces chapeaux, et même si ce fut parfois dans l’adversité, mener à bien un tel projet est extrêmement gratifiant.
C’est une grande fierté pour moi d’attendre avec impatience cette sortie, comme si c’était la première de ma vie. La première sur mon label, la première d’une autre manière, la première sans le moindre regret.
C’est aussi la première fois que je n’attends rien, sinon partager ce disque avec vous. Et c’est très agréable. Attendre, sans rien attendre.
Article initialement publié sur le blog Pamela Hute
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